Musée national de la Légion d'honneur et des ordres de chevalerie

El Palais de la Légion d'honneur se encuentra situado en el corazón de París, enfrente del conocido Musée d'Orsay. Es un extraordinario edificio que, a pesar de la riqueza de sus colecciones, es muy poco conocido pero de obligada visita. En él se encuentra la sede de los servicios administrativos de la Gran Cancillería de la Legión de Honor, de la Orden Nacional del Mérito y de la Medalla Militar, así como el Museo de la Legión de Honor y de las Órdenes de Caballería. También se sitúan en el palacio dos salas solemnes donde se toman todas las decisiones concernientes a estas órdenes, la sala del Consejo y la oficina del gran canciller. Aparte de las órdenes creadas bajo la esfera francesa, el Museo Nacional de la Legión de Honor y de las Órdenes de Caballería presenta una extraordinaria colección de las principales Órdenes y condecoraciones extranjeras de todos los continentes y de todas las épocas.

Este museo, que fue inaugurado en 1925 y abierto a las órdenes extranjeras en 1932, está formado por excepcionales colecciones que lo convierten en el principal museo de esta clase que existe en Europa. La construcción central fue el hôtel de Salm, edificado de 1782 a 1787 por el arquitecto Pierre Rousseau para el príncipe alemán Frédéric de Salm-Kyrbourg. En el siglo XIX el palacete fue restaurando por Antoine Peyre, aumentado y modernizado con la creación de edificios para servicios administrativos bajo el Segundo Imperio y fue devastado por el fuego, el 23 de mayo de 1871, al mismo tiempo que otros edificios como el palacio de las Tullerías y la Cour des comptes. Gracias a una suscripción lanzada a todos los legionarios y poseedores de medallas militares el palacio fue reconstruido e interiormente decorado en los salones oficiales con un programa iconográfico dedicado a la gloria de la institución de la Legión de Honor, realizado por pintores oficiales como Ranvier y Ehrmann, elegidos por el director de Bellas Artes de Francia. Con ocasión del bicentenario de la creación de la Legión de Honor, el museo fue enteramente renovado e inaugurado el 17 de noviembre de 2006 por Jacques Chirac, presidente de la república francesa.

El museo está organizado en varios espacios. El segundo está dedicado a las órdenes de caballería y religiosas: la Orden de San Juan de Jerusalén, de Rodas y de Malta, las misiones contemporáneas de la Orden de Malta y la Orden del Santo Sepulcro. El tercer espacio a las órdenes reales: la Orden de Saint-Michel, que se divide en dos etapas (1469-1661 y 1661-1830); la Orden del Saint-Esprit (1578), sus caballeros y su evolución a lo largo de la historia; las órdenes reunidas de Saint-Lazare de Jérusalem, fundada en la época de las primeras cruzadas y de Notre-Dame du Mont-Carmel (1608) y la Orden de Saint-Louis (1693). En este mismo espacio se exponen también la institución del Mérito Militar (1759) y el medallón de Veterano (1771).

La Legión de Honor ocupa el cuatro espacio del museo y en él se tratan temas como las armas de recompensa nacional, las armas de honor y la creación de la Legión de Honor, la estrella de esta Orden, la gran condecoración y las insignias de la Legión de Honor del Primer Imperio, los aspectos sociológicos de la Legión de Honor bajo el Primer Imperio y la Orden bajo la Restauración, la Legión de Honor bajo la Monarquía de julio, la II República y la Presidencia, el II Imperio, la III República, en el periodo que va de la III a la IV República y, finalmente, durante la V República francesa. En este mismo espacio se dedica también un ala expositiva a la época de Napoléon Bonaparte: los collares de la Legión de Honor del Primer Imperio, el collar de la III República y el collar actual; la Orden de la Corona de Hierro, la Orden de los Tres Toisones de Oro y la Orden de la Reunión. Del Primer Imperio destacan órdenes y condecoraciones de los reinos de Holanda, Westfalia, Nápoles y las Dos Sicilias y España. 

Un nuevo espacio (el 6º) presenta la Medalla militar, las medallas conmemorativas y las medallas de campaña: las condecoraciones revolucionarias (1789-1871), las condecoraciones creadas bajo la Restauración. la Medalla Militar bajo el Segundo Imperio, la Medalla Militar republicana, las medallas de los veteranos de la Revolución y del Imperio, las medallas conmemorativas de acontecimientos militares, la Medalla colonial y la Medalla ultramarina. En este mismo espacio se presenta también el periodo de la Primer Guerra Mundial y las condecoraciones en el conflicto bélico: la Legión de Honor y la Medalla militar, la Cruz de Guerra, la Medalla interaliada y otras condecoraciones. La sección dedicada a la Segunda Guerra Mundial y los conflictos posteriores a 1945 presenta las condecoraciones en la II Guerra Mundial, la Orden de la Liberación, la Medalla de la Resistencia, la Legión de Honor y la Medalla militar, la Cruz de Guerra y las otras condecoraciones, tanto en Francia como en la Guerra de Indochina y en Argelia. Para terminar se presentan las órdenes francesas coloniales, las ordenes de la Francia de Ultramar, las Órdenes ministeriales de las Palmas académicas, la Orden del Mérito agrícola, la Orden del Mérito marítimo, la Orden de las Artes y las Letras, las medallas de honor y de salvamento y la Orden Nacional del Mérito.

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Exposición: Memoria del Perú. Fotografías 1890-1950

Entre el 18 de noviembre y el 18 de diciembre del año 1994 tuvo lugar en las salas de la Fundación Natwest de Madrid la exposición titulada: "Memoria visual de los Andes Peruanos. Fotografías 1900-1950". La iniciativa de presentar, por primera vez en el mundo una muestra de estas características, partió de Andrés Cardó y José Ignacio Lámbarri, dos amigos apasionados por la historia y la fotografía de su país e interesados en compilar y dar a conocer la enorme riqueza fotográfica que existió en la región sur-andina del Perú durante la primera mitad del siglo XX, donde convergieron numerosos estudios fotográficos que aportaron un extraordinario testimonio de los lugares, los hechos cotidianos y la vida social desarrollada en esta región sudamericana. 

La mayoría de las obras que fueron seleccionadas para esta exposición procedió de la Fototeca Andina, organismo perteneciente al Centro Bartolomé de las Casas de Cuzco, del que José Ignacio Lámbarri era director en aquel momento. La Fototeca Andina está dedicada a la salvaguarda de más de treinta mil imágenes fotográficas en blanco y negro de la Escuela Cusqueña de Fotografía, que fueron realizadas por destacados fotógrafos durante la primera mitad del siglo XX.

Catálogo de la exposición celebrada en 1994 en la Fundación Natwest

Hasta la celebración de esta exposición solamente había sido divulgada la obra de Martín Chambi, pero fue entonces cuando se puso en evidencia la existencia de la Escuela Cusqueña de Fotografía, de la que Chambi fue su principal representante. El Círculo de Bellas Artes en Madrid había realizado una gran exposición sobre Chambi en el año 1990 y durante cinco años fue recorriendo un gran número de salas y museos españoles y del extranjero con gran éxito. En julio de 1991 la muestra fue considerada como la mejor exposición de la 22ª edición de los Rencontres de la Photographie de Arles celebrados en Francia, uno de los más prestigiosos festivales de Europa. 

Motivados por el gran éxito alcanzado por la exposición dedicada a la obra de Martín Chambi, Andrés Cardó y José Ignacio Lámbarri presentaron a la Fototeca Andina un proyecto de exposición que contendría una selección de fotografías de los fondos acumulados en la Fototeca que incluían la obra de los fotógrafos Miguel Chani, Hermanos Cabrera, José Gabriel González, Horacio Ochoa, Pablo Varamendi, Sebastián Rodríguez y César Meza, entre los más destacados. También se presentaron en la exposición de la Fundación Natwest algunas imágenes fotográficas de Martín Chambi procedentes de su estudio en el Cuzco, otras fotografías de los Hermanos Vargas de Arequipa y otras obtenidas de algunos negativos de la colección particular de José Ignacio Lámbarri.

Se trató de la primera muestra fotográfica que dio a conocer la importante concentración de fotógrafos que trabajaron en esta región andina durante la primera mitad del siglo XX y cuyo trabajo tuvo una extraordinaria calidad que estaba siendo descubierta.  El equipo de personas que llevaron a cabo el proyecto fue prácticamente el mismo que había realizado la exposición de Martín Chambi en el Círculo de Bellas Artes: Alejandro Castellote y Luis de Toledo fueron los comisarios de la exposición; Mario Parralejo y Juan Manuel Castro Prieto los encargados del laboratorio y enmarcado de las obras. En Cuzco se copiaron cien fotografías, que fueron seleccionadas de entre más de 20.000 negativos. Se realizaron casi todas en 50 x 60 cm. y posteriormente fueron viradas levemente al sepia para darles la tonalidad característica de la época.

Vista de la exposición actual de la Casa de América

Desde esta exposición, que fue pionera en reunir la obra de los estudios fotográficos de la región sur-andina del Perú, se han ido celebrando a lo largo de los siguientes años muchas otras exposiciones fotográficas con este mismo propósito, tanto en España como en el extranjero, incluyendo otras áreas geográficas peruanas.  La Casa de América clausurará el 25 de abril la exposición titulada "Memoria del Perú. Fotografías 1890-1950", organizada por el Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores, con el apoyo de la Embajada del Perú en España y comisariada por Andrés Garay, Jorge Villacorte Chávez y Carlo Trivelli, con la colaboración de Alonso Ruiz Rosas y Gredna Landolt, y de Luis Prados Covarrubias y Celine Rodríguez Limón, de la Casa de América.

Baldomero Alejos. Retrato de familia, ca. 1940. Archivo Baldomero Alejos.

En esta nueva muestra se presentan fotografías de Martín Chambi, Juan Manuel Figueroa Aznar, Baldomero Alejos, Manuel Jesús Glave, Horacio Ochoa, Carlos Domínguez, Teófilo Hinostroza, Sebastián Rodríguez, Carlos y Miguel Vargas, Walter O. Runcie, Alphonse Dubreuil, Eugène Courret, Heinz Heinrich Brüning y una serie de fotografías de autor anónimo.

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Libros y autores en el Virreinato del Perú

Con el título de "Libros y autores en el Virreinato del Perú. El legado de la cultura letrada hasta la Independencia", se está presentando en el Archivo General de Indias de Sevilla una extraordinaria exposición organizada junto con el Instituto Cervantes, el Ministerio de Cultura de España, la Subdirección General de los Archivos Estatales y el Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú, con el apoyo de la Embajada del Perú en España. La exposición, que ha sido comisariada por Alonso Ruiz Rosas, Marta Ortiz Canseco y María Teresa López Arandia, fue inaugurada el pasado 1 de marzo y podrá visitarse hasta el próximo mes de junio.

El Archivo General de Indias se sitúa en el edificio creado para la Casa Lonja de los Mercaderes, localizado entre la Catedral y el Alcázar, que fue diseñado por Juan de Herrera por encargo de Felipe II, iniciándose la obra arquitectónica en 1583. La Lonja tuvo como misión albergar las actividades comerciales relacionadas con las Indias y el edificio fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1987. Actualmente reúne uno de los principales fondos documentales sobre América, organizados en más de cuarenta y tres mil legajos.

Anónimo. Sucesión de los Incas y reyes españoles del Perú, 1725. 

Museo de Arte Religioso de la Catedral de Lima.

La exposición ha sido presentada anteriormente en Madrid, Lima y Cádiz. Aborda la evolución de la producción bibliográfica peruana y una serie de obras producidas en España y otros lugares geográficos por autores que trataron aspectos variados sobre el Perú y está estructurada en varias unidades temáticas. Comienza por "Las Bellas Letras" o cultura literaria del Virreinato del Perú, conformada por una serie de españoles, criollos y mestizos -en un comienzo- e indígenas y afrodescendientes -más tarde- destacando literatos de la talla de fray Diego de Hojeda, Juan del Valle y Caviedes, Esteban de Terralla y Landa, Juan de Miramontes y Zuázola, Pedro de Oña, Pedro de Peralta Barnuevo, Juan de Espinosa Medrano, Pablo de Olavide y Mariano Melgar, entre muchos otros. Continúa por el apartado titulado "Santidad", aludiendo a la proliferación de santos, profetas, visionarios y la gran actividad religiosa que hubo, tanto en Lima como en otras ciudades del virreinato, destacando figuras como Santa Rosa de Lima -patrona del Perú y del Nuevo Mundo- y primera santa americana (1668), junto con el arzobispo Toribio de Mogrovejo, Francisco Solano, Juan Masías y Martín de Porres.

"El Derecho Indiano" presenta los textos que circularon y se produjeron en el Perú entre los siglos XVI y XVIII, habiéndose registrado 138 obras impresas en Lima y tratando, entre otros temas, sobre la justificación del dominio español, los asuntos comerciales, el trato a los naturales, la evangelización y otros como las herencias, mayorazgos y bienes de difuntos. La sección "Filosofía y Ciencias" presenta el pensamiento virreinal peruano, que fue conformado por obras manuscritas o impresas de autores nacidos o que vivieron en el virreinato y que en su mayoría fueron clérigos, científicos, abogados o médicos, con inquietudes filosóficas. Entre ellos destacaron los jesuitas José de Acosta y Bernabé Cobo, el franciscano Jerónimo Valera, Alonso de Peñafiel y Juan Espinoza Medrano. 

Escudo con las armas reales que, junto con la cadena real, podrán usar los descendientes de los incas en los reposteros y puertas de sus casas, según privilegio concedido por el emperador Carlos V a Alonso Tito Atauche Inga, hijo de Guascar Inga, 1544.

Archivo General de Indias. MP-Escudos, 77.

Un apartado dedicado a la "Ilustración, Reformas Borbónicas y Emancipación" presenta obras publicadas a partir de 1750 debidas a autores como Miguel Feijoo de Sosa, Miguel Carrió de la Vandera. José Baquíjano y Carrillo, Hipólito Unanue, Juan Pablo Viscardo Guzmán y José de la Riva Agüero. Un apartado más trata de la "Independencia, Creación de la Biblioteca Nacional e Inéditos Publicados", en la que se hace un recorrido por la proclamación de la Independencia en Lima del 28 de julio de 1821, la libertad de imprenta y la creación de la Biblioteca Nacional del Perú, el 28 de agosto  de 1821. Desde la batalla de Ayacucho del 9 de diciembre de 1824, que significó la ruptura definitiva con la Corona española, se comenzaron a publicar manuscritos inéditos de extraordinario valor datados en el periodo virreinal, como fueron las obras de Bernabé Cobo o Felipe Guamán Poma de Ayala.

La sección titulada "Cronistas y Soldados" trata de las primeras noticias impresas presentando la imagen del Perú como fuente de riquezas, así como las gestas y conflictos que derivaron en guerras civiles, como fueron las obras de Gonzalo Fernández de Oviedo, Francisco López de Gómara, Bartolomé de las Casas, Agustín de Zárate y Pedro Cieza de León, conocido como el "Príncipe de los cronistas del Perú"; el apartado "Evangelización, Universidad e Imprenta" presenta la labor de los religiosos dominicos, franciscanos, mercedarios, agustinos y jesuitas en el Virreinato del Perú en estos aspectos y, por último "Las Letras Asumidas", trata de algunos textos indígenas en los inicios del Perú virreinal, tanto de autoría anónima como escritos por figuras conocidas como fueron Joan de Santa Cruz Pachacuti Yamqui Salcamaygua y Felipe Guamán Poma de  Ayala y mestizos como el inca Garcilaso de la Vega.

Escudo de armas concedido por el emperador Carlos V a los descendientes de los incas Gonzalo Uchu Hualpa y Felipe Tupa Inga Yupanqui, hijos de Huayna Capac y nietos de Tupa Inga Yupangui, 1545.

Archivo General de Indias, MP_Escudos, 78.

Quisiera destacar una serie de obras excepcionales presentadas en esta exposición que tienen contenido genealógico, nobiliario y heráldico, algunas que aparecen representadas más arriba. Entre ellas, un anónimo sobre la Sucesión de los Incas y reyes españoles del Perú, fechado en 1725 y procedente del Museo de Arte Religioso de la Catedral de Lima; el Retrato de los Incas publicado en la obra de José Eusebio Llano Zapata, titulada "Epítome Cronológico o Idea General del Perú", fechado en 1776 y procedente de la Real Academia de la Historia; una reproducción de la Historia y Genealogía Real de los Reyes Incas del Perú, de Martín de Murúa, fechada en 1590 y perteneciente a la colección particular Sean Galvin, de Dublín; el Árbol genealógico de los reyes y emperadores incas, fechado en 1754 y perteneciente a los fondos del Archivo General de Indias (MP-Escudos, 276); el Escudo de armas concedido por el emperador Carlos V a los descendientes de los incas Gonzalo Uchu Hualpa y Felipe Tupa Inga Yupanqui, hijos de Huayna Capac y nietos de Tupa Inga Yupanqui, fechado en 1545, también perteneciente a los fondos del Archivo General de Indias (MP-Escudos, 78) y, por último, el Escudo con las armas reales que, junto con la cadena real, podrían usar los descendientes de los incas en los reposteros y puertas de sus casas, según privilegio concedido por el emperador Carlos V a Alonso Tito Atauche Inga, hijo de Guascar Inga, fechado en 1544 y del mismo Archivo (MP-Escudos, 77).

La Leyenda Negra y la Leyenda Rosa

Muchas veces, las nuevas obras publicadas sobre determinado tema histórico son una simple reelaboración de los trabajos que ya han sido publicados por importantes figuras del mundo de la Historia y que con el tiempo han ido cayendo en el olvido.  En determinadas épocas se ponen de moda ciertos temas históricos y muchos autores se apresuran a publicar obras cuyo contenido no es sino, en la mayor parte de los casos, una reiteración o reelaboración de lo ya publicado a lo largo de la Historia y las editoriales, conscientes del tirón que está teniendo el tema de moda, las presentan como grandes novedades. 

Los historiadores sabemos que hay multitud de asuntos históricos que todavía no han sido objeto de estudio. Dedicarse a investigar un tema que no ha sido previamente explorado o lo ha sido superficialmente entraña una enorme dificultad y muchos años de estudio, que pocos están dispuestos a realizar, tanto para los estudios históricos que se dirigen desde dentro como desde fuera del mundo universitario y académico. Por esa razón, muchos historiadores y aficionados a la historia prefieren repetir lo que ya ha sido publicado y presentarlo como una gran novedad y así tenemos en los últimos años cientos de obras que han sido dedicadas a temas que se han puesto de moda como son Blas de Lezo o la Leyenda Negra, por señalar solamente dos de los más explotados que, en la mayor parte de los casos. no aportan nada significativo en el campo de la reconstrucción histórica y, por lo tanto, son nuevas versiones de algo ya realizado anteriormente por otros autores.

En la línea de la Leyenda Negra como tema histórico, quisiera referirme a una obra preciosa y es la titulada "Los Mestizos de América", del arqueólogo y americanista español, don José Pérez de Barradas y Álvarez de Eulate (1897-1981), que recibió el Premio Duque de Lourat de la Real Academia de la Historia en la convocatoria de 1951 y que fue publicada en 1976, en el nº 1610 de la colección Austral de Espasa-Calpe, con prólogo de Gregorio Marañón escrito en 1948. Pérez de Barradas fue un gran investigador y conocedor del mundo hispánico, y publicó destacadas obras sobre prehistoria, arqueología, etnografía y antropología. Entre ellas merece una especial atención la que presento que, además, no siempre suele figurar entre las relaciones bibliográficas de este autor. 

Muchas veces, al tratar estos temas que se han convertido en símbolos de la identidad nacional española, se corre el riesgo de que la Leyenda Negra sea transformada en Leyenda Rosa. En muchos casos aflora el nacionalismo español más exacerbado,  exaltando hasta lo absurdo el papel que España ha tenido en la Historia y denostando o ridiculizando el de otras potencias, siempre con un fuerte sentimiento contra una de las más extraordinarias potencias de la Historia que ha sido el Imperio Británico. Como indica Gregorio Marañón, "la Leyenda Negra no se desvanece pretendiendo suscitar por una Leyenda Rosa, la cual, por ser tan arbitraria como la negra, origina nuevas reacciones sombrías. Toda propaganda es fundamentalmente falaz e inevitablemente se convierte en punto de partida de propagandas opuestas y de falacias nuevas. El antídoto de las leyendas es uno solo: la verdad, que no es negra ni rosa, sino del mismo color de la carne mortal de que estamos hechos los hombres, protagonistas de las leyendas".

Marañón también señala que en los procesos de conquista y colonización de América hubo una ausencia total de prejuicios étnicos y la idea dogmática de que todos los humanos somos fundamentalmente unos está infusa en toda la legislación de Indias y alentó en la conducta de cuantos españoles iniciaron la colonización de América. Es sorprendente el contraste entre esta actitud humana -continúa Marañón- y la de otros grandes pueblos europeos que han colaborado en la creación moderna de América y de otros continentes. La obra española es la única que respetó rigurosamente al indígena, la única que se entregó sin reservas de ningún orden al mestizaje y la única que dio todas las posibilidades de dignidad y eficacia social al mestizo, continúa Marañón. 

En mi opinión, las afirmaciones de Gregorio Marañón al indicar que en los procesos de conquista y colonización hubo una ausencia total de prejuicios étnicos y que el dogma de que todos los humanos son iguales alentó en la conducta de cuantos españoles iniciaron la colonización de América deben ser matizadas, ya que tal como las expresa este autor me parece que pueden también ser incluidas en las afirmaciones que suelen ser presentadas en la Leyenda Rosa, a la que él mismo se refiere y trata de combatir. Es cierto que la obra de conquista y colonización de España trató de respetar rigurosamente al indígena a través de las leyes dictadas por la Corona, pero la realidad social de los territorios conquistados y colonizados se impuso a esta pretensión y estuvo frecuentemente muy alejada de la igualdad entre españoles e indígenas. El racismo ha sido en la Historia y es actualmente uno de los mayores problemas que existen en Hispanoamérica y la causa de las enormes desigualdades sociales que existen en estos territorios.

Recomiendo la obra de Pérez de Barradas sobre los mestizos, que tiene enorme importancia porque hasta entonces no se había escrito, aunque se hubiera intentado varias veces, una obra sobre la historia y el sentido del mestizaje español. En los diferentes capítulos se tratan los temas titulados como el racismo e indigenismo; lo que es la raza y lo que no lo es; el español y el indio americano; los primeros contactos de los españoles y las indias; de cómo los españoles pudieron conquistar a las indias; la conquista de las Indias; sobre la supuesta destrucción de las Indias; de cómo los españoles poblaron las Indias; la pigmentocracia o las castas sociales en la colonia y, por último, la América actual y el indio. 

La Historia en el Arte Contemporáneo

Del 6 al 10 de marzo ha tenido lugar la celebración de ARCOmadrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España, que este año ha celebrado su 43ª edición con el mar Caribe como proyecto central y que, como otros años, ha sido organizada en el recinto ferial de IFEMA. El programa de la feria ha sido comisariado por Carla Acevedo-Yates y Sara Hermann Morera, con el lema "La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico". La feria ha desarrollado un Programa general, formado por galerías y proyectos seleccionados por el Comité Organizador y Programas comisariados o secciones con investigaciones sobre territorios y reflexiones del arte en la actualidad, artistas, galerías jóvenes y los vínculos que existen entre ARCO y Latinoamérica. Como todos los años, ARCOmadrid ha estado para mí llena de sorpresas y mientras he ido recorriendo los espacios expositivos he ido fijándome, especialmente, en las obras de arte que podían contener un mensaje relacionado con la Historia, la Genealogía o la Heráldica. 

Anteriormente, en este mismo Blog, he hablado sobre otras obras presentadas en Madrid con ocasión de la celebración de esta feria de arte contemporáneo. Así lo hice con la obra titulada "Neo-Heráldica II" (1999), del artista peruano Fernando Bryce, perteneciente a la colección de Eduardo y Marina Hochschild y que fue presentada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con ocasión de haber sido Perú el país invitado a la feria ARCO 2019. Igualmente comenté una obra de Mercedes Azpilcueta presentada en ARCOmadrid 2022 por la galería Nogueras Blanchard, titulada "The Lieutenant-Nun is Passing: An Autobiography of Katalina, Antonio, Alonso and More" (2021), composición artística que ofrecía una visión especulativa sobre la monja-alférez Catalina de Erauso y Pérez de Galarraga. Según la profesora de arte argentina Verónica Rossi, la obra de Mercedes Azpilcueta es "un ejercicio de imaginación historiográfico que da otro giro en esa sucesión de relatos que construyen el pasado".

Este año una obra presentada en ARCOmadrid y de contenido histórico ha llamado especialmente mi atención. Se trata de la pintura al óleo titulada "Máquinas y españolas (Categoría Espagnole)" (2022), del artista Chema López, profesor titular en el Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia.  La pintura ha sido presentada por la galería Rosa Santos y representa una ficha de identidad francesa de un español, Sebastián Aniorte. 

Para contextualizar la obra de Chema López presentada en ARCOmadrid2024 debemos remitirnos a la exposición que, sobre este autor organizó Rosa Santos, del 25 de marzo al 20 de mayo de 2022 en su galería de Valencia, titulada "Carta de quebrados" y a la celebrada en su galería de Madrid, del 2 de abril al 28 de mayo del mismo año, titulada "Retícula quebrada". 

La Carte d'Identité surgió en el siglo XIX en Francia y desde 1888, los extranjeros debieron registrarse en su comuna de residencia. Con la I Guerra Mundial su vigilancia se intensificó y el Decreto del 2 de abril de 1917 estableció para ellos la tarjeta de identidad obligatoria. Todo extranjero residente en Francia más de 15 días debía solicitar esta tarjeta en las alcaldías o en las prefecturas, rellenando un cuestionario en varios ejemplares y proporcionando tres fotografías "de cara y sin sombrero". Uno de los ejemplares del cuestionario pasaría a integrar el fichero local de extranjeros y el otro era enviado al Ministerio del Interior donde el nuevo Service Central de la Carte d'Identité des Étrangères centralizaba todas las solicitudes. En los años 30 se endurece este dispositivo de control, especialmente a raíz de los decretos-ley de 1938.

Este documento, asociado a una persona presentaba su fotografía y algunas descripciones sobre su origen, edad, aspecto físico, situación personal y otras características que iban cambiando con el tiempo. Desde la creación de este documento la intención de las autoridades fue, principalmente, el control de individuos indeseables, aunque finalmente este objetivo se extendió a toda la población. La exposición de Chema López en Carta de quebrados se centró en la historia de este certificado y de otros que fueron apareciendo en varios lugares y momentos de la historia.

Según señaló en esta exposición Rosa Santos: "En Carta de Quebrados, Chema López construye su obra alrededor de la historia de este y otros certificados que aparecen en varios territorios y momentos históricos, algunos son carnés de afiliación usados en tiempos de guerra, y otros surgen con el objetivo de identificar, catalogar y segregar a distintos grupos sociales. Pero el recorrido que aquí se nos propone no es únicamente una comparativa entre individuos según su categorización institucional, sino que también es una explotación de las múltiples caras de un conflicto, así como de los juegos de poder, sus abstracciones, camuflajes y capacidad de afectación social".

Para explorar el virtuosismo técnico y el significado de la obra de Chema López, recomiendo la visita de su sitio web, en este enlace.

El espejo perdido. Judíos y conversos en la Edad Media

El Museo Nacional de Arte de Cataluña presenta hasta el próximo 26 de mayo la exposición: "El espejo perdido. Judíos y conversos en la Edad Media", que ha sido comisariada por Joan Molina Figueras, jefe del Departamento de Pintura Gótica Española del Museo Nacional del Prado. 

La exposición presenta una amplia selección de obras en la que se muestran escenas destacadas de la historia de los cristianos, conversos y judíos entre los años 1285 y 1492, cuando fue promulgado el Decreto de la expulsión de los judíos. Estas imágenes, elaboradas según la óptica de los cristianos, fueron un medio fundamental para la transferencia de modelos artísticos y en su elaboración colaboraron artistas cristianos y conversos, contribuyendo a difundir el creciente anti-judaísmo existente en la sociedad mediante la estigmatización de los judíos y reafirmación de la identidad cristiana. 

Como consecuencia de los pogromos o masacre antisemita de 1391 hubo una masiva conversión de judíos al cristianismo y las imágenes de culto fueron utilizadas para estigmatizarlos, según las creencias, supersticiones y miedos de los cristianos. Por medio de las imágenes que representan escenas de culto y costumbres, los cristianos afirmaron la sinceridad que hubo en la conversión de los judíos o su falsedad, acusándolos de judaizar. La Inquisición española, fundada en 1478 por los Reyes Católicos, utilizó estas imágenes para escenificar episodios de la historia de los judíos y de los conversos y su relación con los cristianos, en las que se podían distinguir a los miembros de estas comunidades según los diferentes elementos visuales identificativos.

La exposición está estructurada en cinco secciones, tituladas: "Transferencias e Intercambios", "De precursores a ciegos", "Antijudaismo e imágenes mediáticas", "Imágenes para conversos, imágenes de conversos" y "Escenografías de la Inquisición" y presenta un conjunto de extraordinarias pinturas medievales, objetos de culto, textos cristianos y códices iluminados como las hagadás judías o narraciones del éxodo, cuyo grupo más importante se elaboró en Cataluña, a través de los cuales pueden conocerse amplios aspectos de la sociedad cristiana, conversa y judía. La temática de las obras expuestas abarca escenas bíblicas, escenas de intimidad e intercambio entre ambas comunidades, iconografía antijudía como el tópico de la ceguera, construcciones representativas como iglesias y sinagogas, milagros eucarísticos, escenas de la Pasión, imágenes para conversos que destacaban su evangelización, imágenes como testimonio acusatorio de prácticas judaizantes, escenografías de la Inquisición, etc.

Más información  sobre esta excelente exposición en este enlace.

XX Symposium de Nobiliaria, Heráldica y Genealogía

Los próximos días 12, 13 y 14 de marzo, tendrá lugar el XX Symposium de Nobiliaria, Heráldica y Genealogía, bajo el título de "Clío desvelada: Debates, problemas y enigmas historiográficos", dirigido por los catedráticos, don Feliciano Barrios Pintado y don Javier Alvarado Planas.

El Symposium ha sido organizado por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) y la Real Asociación de Hidalgos de España (RAHE) y será celebrado en la sede de esta Asociación, en Madrid (calle General Arrando, 13-bajo izquierda).

Participarán Feliciano Barrios Pintado, José María de Francisco Olmos, Juan Carlos Domínguez Nafría, Carlos Pérez-Fernández Turégano, Jaime de Salazar y Acha, Gonzalo Oliva Manso, Beatriz Badorrey y Yolanda Gómez Sánchez. 

Más información sobre la organización y el programa de esta reunión académica, en este enlace.

Un retrato romántico. La carte de visite

La Biblioteca Regional de Madrid "Joaquín Leguina", situada en el Complejo El Águila, está presentando la excelente exposición titulada "Un retrato romántico. La carte de visite", comisariada por Carlos Celles Anibarro y organizada por la Dirección General de Patrimonio Cultural y la Subdirección General del Libro, que podrá ser visitada hasta el próximo 21 de abril.

Las "cartes de visite" aparecieron en la segunda mitad del siglo XIX como un nuevo tipo de retrato fotográfico realizado en tarjetas de pequeño formato (unos 6x9 cm.) para representar a personajes de todas las clases sociales y detalles de la vida cotidiana del Romanticismo. Esta nueva modalidad fotográfica tuvo un enorme éxito y una gran demanda, gracias a la cual aparecieron numerosos estudios fotográficos en países de todo el mundo y en muy pocos años convirtió al retrato en un objeto común en la vida de las familias. El pequeño formato de estos retratos era suficiente para describir al retratado y también para ser coleccionados en álbumes, enviarlos en cartas a seres queridos o llevarlos como recuerdo, lo que hizo que fueran tan populares en la sociedad del momento.

El creador de la carte de visite fue André Adolphe Eugène Disdéri (1819-1889), quien patentó en 1854 una cámara fotográfica con varios objetivos que permitía impresionar varias imágenes en la misma placa. El éxito fue extraordinario, Disdéri fue nombrado fotógrafo del emperador Napoléon III y su estudio parisino se convirtió en el principal lugar de encuentro de los amantes de este género fotográfico. En Madrid, el fotógrafo francés abrió una sucursal en el número 14 de la calle del Príncipe, pero el establecimiento solamente funcionó hasta 1865.

Varios ejemplares de cartes de visite de Disdéri, pertenecientes a la colección de Carlos Celles Anibarro son presentados en esta exposición, destacando los retratos del emperador de Francia, la emperatriz Eugenia, el príncipe imperial Louis Napoléon y la familia imperial en conjunto, datados en los años 1860-1862, pero también retratos de eclesiásticos, militares, personalidades y artistas de la época.

Firma identificativa del estudio fotográfico de Disdéri en París

Bibliothèque nationale de France

Además de la obra de Disdéri, se presentan otros retratistas pioneros de la carte de visite en la corte madrileña y se han podido establecer más de setenta estudios que trabajaron con los retratos realizados en este formato en Madrid, entre 1859 y 1865. Los gabinetes fotográficos de mayor prestigio estaban localizados en la Puerta del Sol y las calles cercanas de Alcalá, Atocha, Caballero de Gracia, Carrera de San Jerónimo, Montera, Preciados, Sevilla, Mayor, Príncipe y Fuencarral, entre otras. Entre ellos se encontraban los estudios de Ángel Alonso Martínez y Hermano, Charles y Jane Clifford, Eusebio Juliá, Jean Laurent y Pedro Martínez Hebert.

En la exposición se exponen los elementos que rodearon el arte fotográfico: murales para el fondo de escena o panoramas; los instrumentos utilizados para su realización, como cámaras, visores, prensas y moldes para las cartes de visite; los diferentes tipos de retratos presentados en este formato, como los retratos de busto, los retratos iluminados y los trabajos de composición fotográfica; los formatos de cartón; los ferrotipos; las firmas; la utilización del escudo de la Casa Real; las fechas y dedicatorias en las cartes de visite y los álbumes y expositores, así como una representación del interior del gabinete fotográfico, que eran cómodos y tenían bellos decorados y mobiliario elegante. Además, se presentan las obras de los estudios fotográficos que realizaban retratos impresos en otros soportes, como objetos de decoración y joyas o piezas de bisutería, como tazas, jarrones, colgantes, camafeos y broches 

Más información sobre esta exposición que ningún aficionado a la historia familiar debe perderse, en este enlace.

Imágenes de los naturales en el arte de la Nueva España

En los últimos años se ha intensificado el discurso contra el papel que tuvo España en la colonización y evangelización de los territorios americanos, tergiversando la Historia y creando -en muchas ocasiones- un relato de ficción sobre lo que fue la convivencia entre españoles e indígenas. En algunos países, los inventores de historias centran su labor en agitar los sentimientos de las personas con fines políticos y están empeñados en reescribir la historia a su medida. Lejos de ellos, los historiadores serios presentan los hechos a través del estudio de las fuentes, según estos hechos quedaron reflejados en la documentación histórica conservada, así como en las obras de arte producidas entre los siglos XVI y XVIII, donde han quedado inmortalizados los naturales de los virreinatos, reflejando cómo fueron las relaciones entre conquistadores y conquistados.

En este sentido, me gustaría referirme a una magnífica obra publicada en el año 2005 por el Banco Nacional de México, a través de Fomento Cultural Banamex, titulada: Imágenes de los naturales en el arte de la Nueva España. Este trabajo fue producto de la investigación de la destacada historiadora del arte -la doctora Elisa Vargaslugo Rangel- como coordinadora de la obra y el apoyo de siete prestigiosos especialistas -Pedro Ángeles Jiménez, Pablo Escalante Gonzalbo, Norma Fernández Quintero, José María Lorenzo Macías, Marita del Río de Redo, Jaime Morera y Fernando Edmundo Rodríguez-Miaja- abordando el estudio de las imágenes de los naturales representadas en el arte de la Nueva España, de gran importancia para la reconstrucción del  pasado cultural e histórico de México. En las fuentes visuales conservadas en museos, edificios religiosos y colecciones privadas se recupera la importancia que tuvo la sociedad indígena desde la conquista de México en 1521 y durante los tres siglos del Virreinato de la Nueva España, en la que los pobladores originarios produjeron y promocionaron importantes obras de arte que pone en evidencia la relevante condición social que estos tenían en la sociedad colonial.

Las imágenes de los naturales del virreinato de la Nueva España se concentran en dos géneros pictóricos: el retrato y las figuraciones de tipo convencional. Dentro de este último género se encuentran representados los naturales en escenas alegóricas, históricas, religiosas, decorativas, paisajísticas, así como en las conocidas e interesantísimas pinturas costumbristas de castas, destacando su significado social en los siglos del dominio español. Sin embargo, se debe tener en cuenta que no todos los personajes representados en las obras que aparecen en este estudio fueron indios en sentido étnico, ya que el mestizaje en el Virreinato de la Nueva España se produjo desde el inicio de la conquista y aumentó después con extraordinaria rapidez y por ello pueden verse muchos tipos diferentes de mestizos que se identifican con la cultura indígena.

Esta magnífica obra está dividida en varios apartados, en los que se presenta la importancia de los naturales durante la conquista de México, el protagonismo que tuvieron como miembros destacados de la sociedad y su participación en la realización de obras pictóricas de carácter religioso. Los cuatro capítulos están dedicados a la grandeza militar, la integración del natural en el mundo cristiano, los usos y costumbres religiosas y domésticas, y finalmente la restauración y estudio de los lienzos titulados: "Dedicación del templo de Molcajac", localizado en la parroquia de este lugar y "El triunfo de la Iglesia Americana", conservado en el templo de Totimehuacán, en Puebla.

Recomiendo la consulta de esta obra extraordinaria que ha sido editada de forma exquisita y que documenta magistralmente un tema histórico de tanta relevancia para la Historia, desmontando muchas de las manipulaciones históricas que existen sobre el papel que tuvo España en América durante los siglos XVI a XVIII.

Una copia digital de la obra: Imágenes de los naturales en el arte de la Nueva España,  puede ser descargada en este enlace.

La Real Basílica de Nuestra Señora de Atocha

En el año 2023 se ha conmemorado el quinto centenario de la cesión de la custodia de la imagen de Nuestra Señora de Atocha a los monjes dominicos y la construcción del convento en el lugar que ocupaba una ermita-santuario dedicada a la Virgen de Atocha en Madrid.

En el marco de esta conmemoración, los días 29 y 30 de enero se han celebrado en el Auditorio de la Galería de las Colecciones Reales de Madrid las Jornadas de Estudio tituladas: "La Real Basílica de Nuestra Señora de Atocha", organizadas por Patrimonio Nacional y coordinadas por Virginia Albarrán Martín -conservadora de la basílica de Nuestra Señora de Atocha y Panteón de España-. Las Jornadas han sido las primeras celebradas en la Galería de las Colecciones Reales desde su inauguración por los Reyes de España, el 28 de julio de 2023.

La organización de estas Jornadas de Estudio complementa la exposición que ha sido organizada en colaboración con el Museo de Historia de Madrid, titulada: "Atocha. Quinientos años de Historia de Madrid", inaugurada el 11 de octubre del año pasado en este museo y que podrá ser visitada hasta el próximo 11 de febrero. A través de dicha exposición y de las jornadas de estudio se pretende difundir la historia y el patrimonio del santuario, que ha estado estrechamente vinculado a la historia de Madrid y a la Monarquía española.

La Virgen de Atocha ya era venerada desde época medieval en una ermita que estaba situada en un lugar cercano a la actual basílica madrileña y desde el reinado de Carlos V, los reyes españoles tuvieron una gran devoción a la Virgen. El rey Felipe II la tituló: "Patrona de la ciudad y de todos los Reinos"; Felipe III puso a la iglesia y al convento de Atocha bajo el patronato real y Felipe IV proclamó a la Virgen de Atocha como protectora de la Familia Real y de la Monarquía española y le impuso el Toisón de Oro. Desde entonces ha existido la costumbre de que todos los herederos de la Corona fueran presentados a la Virgen. Con el tiempo, la Virgen de Atocha ha recibido la donación de innumerables bienes con motivo de diferentes acontecimientos históricos y ha ido reuniendo importantes ajuares de joyería, platería y textiles que, junto con las obras de pintura y escultura que existían en los edificios, constituyen un extraordinario patrimonio artístico y cultural.

Las Jornadas de Estudio han contado con la participación como ponentes de algunos de los principales especialistas que centran sus investigaciones en diferentes aspectos de la historia de la Virgen de Atocha y que, por orden de intervención, han sido: Fr. Iván Calvo Alonso, O.A. -prior del convento de Nuestra Señora de Atocha-; Roberto Muñoz Martín -conservador de Patrimonio Nacional-; Raúl Gómez Escribano -doctor arquitecto y comisario de la exposición "Atocha: quinientos años de historia de Madrid"-; Begoña Domínguez Iniesta -responsable del Negociado de Información y Difusión del Museo de Historia-; Bernat Hernández -miembro del Centro de Estudios de la América Colonial de la Universidad Autónoma de Barcelona-; Leticia Ruiz Gómez -directora de las Colecciones Reales-; Carmen García Frías Checa y Almudena Pérez de Tudela Gabaldón -conservadoras de Patrimonio Nacional-; Nuria Lázaro Milla -especialista en joyería del siglo XIX- y Víctor Manuel Gonsálvez Fernández, Amelia Aranda Huete y Virginia Albarrán Martín -conservadores de Patrimonio Nacional-.

Más información en este enlace.

V Congreso Internacional sobre la Nobleza

El I Coloquio Internacional sobre la Nobleza y el IX Coloquio Internacional de Genealogía fueron celebrados en memoria de don Vicente de Cadenas y Vicent, fallecido en el año 2005 y tuvieron lugar en Madrid, en las instalaciones del Colegio Mayor Universitario San Pablo CEU, del 21 al 24 de octubre de 2015. 

La organización del I Coloquio Internacional sobre la Nobleza estuvo a cargo de la Real Asociación de Hidalgos de España, el Instituto Español de Estudios Nobiliarios, la Comisión Internacional de Órdenes de Caballería y Familias Históricas de Italia. Por su parte, la organización del IX Coloquio Internacional de Genealogía la llevó a cabo la Academia Internacional de Genealogía y el Instituto Heráldico y Genealógico Italiano. 

En ambos Coloquios participaron muchas de las más destacadas personalidades europeas en el estudio de la Historia, la genealogía y la nobleza europea, presentando sus últimas investigaciones sobre estos temas y contribuyendo a su conocimiento y difusión. La ponencia que presenté en aquella ocasión, en el IX Coloquio Internacional de Genealogía, fue un avance de una futura monografía sobre la nobleza española que estuvo presente en la ciudad francesa de Biarritz entre las décadas de 1850 y 1920, donde se estudiaban las principales familias que tuvieron relación con esta ciudad y, especialmente, las de la alta nobleza española. Esta publicación vio la luz en el año 2017 cuando fue publicada por la editorial Eunsa, con el título de: “Nobleza española en Biarritz", obra que por estar ya agotada ha sido reimpresa por esta misma editorial en el año 2023.

Estas dos reuniones académicas -el I Coloquio Internacional sobre la Nobleza y el IX Coloquio Internacional de Genealogía- han tomado en los siguientes años caminos independientes en su organización y del Coloquio Internacional sobre la Nobleza se han celebrado tres ediciones más, con gran éxito de participación. 

Dada la importancia creciente que a lo largo de los años ha ido adquiriendo el Coloquio Internacional sobre la Nobleza, este año ha cambiado su denominación de "Coloquio" a la de "Congreso" y la Real Asociación de Hidalgos de España organizará el V Congreso Internacional de la Nobleza en su sede de Madrid (General Arrando, 13) del 9 a 11 de mayo, con la colaboración del Instituto Internacional de Genealogía y Heráldica, el Archivo Histórico de la Nobleza y la International Commission for Orders of Chivalry.

Las inscripciones al V Congreso Internacional sobre la Nobleza  pueden realizarse hasta el 30 de abril de 2024. Más información para participar en esta reunión académica puede obtenerse en este enlace.

Feliz Año Nuevo

 

Exposición: Palabras de viajeros

La Biblioteca Nacional de España está presentando hasta el 21 de enero del próximo año la exposición titulada: "Palabras de Viajeros. El viaje literario y su aportación a la cultura europea", que ha sido comisariada por Paolo d'Alessandro y está enmarcada dentro del programa de actos de la Presidencia Española del Consejo de la Unión Europea.

Esta exposición tiene como objetivo presentar, a través de una serie de obras manuscritas e impresas que conserva esta Biblioteca, quiénes fueron las principales figuras españolas del mundo de la aristocracia y de las letras que viajaron a otros países, principalmente a Francia, Inglaterra e Italia, desde la época de la Ilustración. Igualmente se presentan una serie de obras realizadas por artistas españoles que viajaron a Italia, pensionados por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con el fin de ampliar su formación. Sus obras presentan testimonios de las sociedades de los países que conocieron y de sus costumbres, vistas desde una perspectiva española, así como de los lugares y edificios que pudieron visitar y que hoy, tras varios siglos, se presentan completamente transformados o ya han desaparecido.

Ignacio Goitia -director artístico de la muestra- ha diseñado la calle central de la exposición -mostrada más abajo- y, para ello, ha seleccionado diferentes obras pertenecientes a algunos de los libros expuestos en esta muestra consistentes en dibujos y grabados y que vieron algunos de los protagonistas de esta exposición, creando con ellos un espacio ficticio en el que el espectador puede moverse como si se tratara de un libro abierto.

Fue especialmente desde la época de la Ilustración cuando los aristócratas y eruditos europeos comprendieron la importancia de realizar viajes a otros países, principalmente europeos, para completar su formación y ampliar sus relaciones sociales. Fruto de esta costumbre fue la aparición de un creciente número de guías y libros sobre viajes en forma de cartas o diarios en los que se detallan sus recorridos e impresiones y también cuadernos de dibujo que muestran el itinerario de estudio que siguieron algunos artistas y en los que se representan paisajes de ruinas, vistas de ciudades y monumentos. 

Como figuras destacadas de la Ilustración española que nos dejaron sus escritos sobre los viajes que realizaron debemos mencionar a José de Vieira y Clavijo (1731-1813), que realizó su primer viaje a Francia y Flandes como tutor de Francisco de Asís de Silva y Bazán -marqués del Viso e hijo del marqués de Santa Cruz- y también al jesuita Juan Andrés y Morell (1740-1817), que llegó a Italia en 1767 junto con los demás miembros de su orden expulsados de España y fue huésped de los Bianchi, importante familia de la nobleza italiana. Posteriormente, Leandro Fernández de Moratín (1760-1828) plasmó en su Viage a Italia, publicado en 1868, los lugares que visitó a través de descripciones y observaciones sobre el carácter y costumbres de sus gentes.

En el siglo XIX destacó el viaje europeo de Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva (1794-1835) -VII duque de Berwick y XIV duque de Alba- y de su madre, María Teresa de Silva y Palafox (1772-1818) -V duquesa de Berwick y VIII marquesa de Ariza-, que dejaron plasmadas las impresiones de su recorrido artístico y cultural en sus diarios aún inéditos y adquirieron en sus viajes numerosas obras de arte que pasaron a integrar las colecciones del Palacio de Liria. Su diario es una de las principales relaciones de viaje escritas  por una mujer en España y es antecedente de las obras de viaje de otras autoras como Emilia Pardo Bazán (1851-1921) o Carmen de Burgos Seguí (1867-1932).

En la época romántica se extendió la costumbre de viajar y el viaje literario se fue transformando en viaje de recreo, multiplicándose las obras escritas dedicadas a la divulgación de trayectos y lugares desde las experiencias de muchos viajeros, que fueron publicadas en monografías y en medios periodísticos. Algunos de los autores y sus obras presentadas en la exposición de la Biblioteca Nacional de España son Ramón de Mesonero Romanos (1803-1882), Antonio María Segovia e Izquierdo (1808-1874) y Eugenio de Ochoa y Montel (1815-1872).

Más información sobre la exposición en este enlace.

Exposición: Trujillo del Perú

El Museo de América está presentando la exposición "Trujillo del Perú. La enciclopedia visual del obispo Martínez-Compañón", una colaboración entre este Museo y la Embajada del Perú en España, enmarcado en los actos conmemorativos del Bicentenario de la Independencia del Perú y que podrá ser visitada hasta el 25 de febrero de 2024. 

Lámina del vol. 1 representando el escudo real de España

El obispo navarro Baltasar Jaime Martínez-Compañón (1737-1797) fue designado chantre de la catedral de Lima en 1767 y ocupó el obispado de Trujillo entre 1779 y 1790, cuando asumió el arzobispado de Bogotá. Durante su mandato visitó la diócesis de Trujillo, que entonces comprendía territorios de la costa, de los Andes y de la Amazonía del norte del Perú y estaba formada por las intendencias de Piura, Lambayeque, Cajamarca, Trujillo y Chachapoyas. 

De espíritu ilustrado, quiso componer una historia general del obispado al estilo enciclopédico y designó a algunos artistas locales anónimos para acompañarle durante su visita, junto con su sobrino vizcaíno, don José Ignacio Lecuanda. Los artistas dibujaron una serie de láminas que después conformaron la obra conocida como "Códex Trujillo del Perú", que el obispo mandó enviar en 1797 al rey Carlos IV de España.

Esta obra, que forma parte de los fondos de la Biblioteca del Palacio Real de Madrid, está formada por nueve volúmenes encuadernados que contienen 1411 láminas dibujadas a pluma e iluminadas a la acuarela, en las que se representan personajes, flora, fauna y las costumbres del norte del Perú. Igualmente contienen una serie de mapas y planos, seis cuadros estadísticos y veinte partituras.

El primer volumen del códex contiene mapas, planos y retratos de funcionarios, obispos de Trujillo y religiosos de las órdenes establecidas en este territorio; el segundo presenta escenas domésticas y costumbristas de españoles, indígenas y afroperuanos y los tres siguientes están formados por láminas en las que se representa el mundo vegetal. El sexto volumen está dedicado a la fauna terrestre, el séptimo a las aves y el octavo a seres del mundo acuático. Por último, el noveno volumen presenta ilustraciones sobre los antiguos señoríos de la cultura Mochica y del reino de Chimú.

Para dar una visión de conjunto de la obra del obispo Martínez-Compañón, que es el testimonio visual más relevante de esta región peruana durante la última etapa del periodo virreinal, se han seleccionado en la exposición del Museo de América 575 imágenes de la edición facsimilar del códex, que en 1978 comenzó a ser publicada por Ediciones Cultura Hispánica del Centro Iberoamericano de Cooperación y que en 1994 fue concluido por la Agencia Española de Cooperación Internacional.

Más información sobre la exposición en este enlace:

Pueden consultarse  los nueve volúmenes de manuscritos en la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, en el siguiente enlace.

Crítica literaria sobre Mariana de Neoburgo

El historiador, don José María Manuel García-Osuna Rodríguez es el autor de la crítica literaria sobre mi última obra: Mariana de Neoburgo. El exilio de la reina viuda de Carlos II, que fue publicada ayer en el portal TodoLiteratura -sitio web líder en la información literaria en lengua castellana- y titulada: "Mariana de Neoburgo, de María Inés Olaran Múgica".

Esta crítica presenta el personaje y los puntos centrales tratados en el libro, concluyendo que la obra publicada por la editorial Rialp en el año 2022 es un acierto y de conocimiento necesario de la reina española, así como de "rigor en sentido estricto absoluto".

Esta crítica puede leerse en el siguiente enlace.

Mariana de Neoburgo. El exilio de la reina viuda de Carlos II puede adquirirse en las principales librerías de España, especialmente en las Librerías Troa, FNAC y Casa del Libro y también en plataformas como Amazon y Todos Tus Libros. 

Más información sobre esta publicación en este enlace.

VIII Centenario del Portal de Belén

El mundo cristiano celebra en Nochebuena el nacimiento de Jesús de Nazaret y en muchos hogares, iglesias y otros centros de reunión existe la costumbre de representar este hecho histórico instalando el llamado "Nacimiento" o "Belén".  El Portal de Belén se ha venido instalando desde el 24 de diciembre o días anteriores hasta la Epifanía -el 6 de enero- y si seguimos la tradición cristiana podemos afirmar que hoy mismo, 24 de diciembre de 2023, se cumple el VIII Centenario de la primera representación del Portal de Belén. 

En los primeros siglos de la historia de la Iglesia no existió la costumbre de presentar el Portal de Belén con los protagonistas del nacimiento de Jesús. Desde el siglo IV la Iglesia Católica celebró este nacimiento con una fiesta litúrgica semejante a otras fiestas del calendario. San Francisco de Asís (c. 1181-1226), que tenía grandes dotes artísticas, tuvo la idea de realizar en la noche del 24 de diciembre de 1223 una representación en vivo del nacimiento de Jesús en la aldea de Greccio, en los Abruzzos (Italia). Con esta ceremonia pretendía exaltar la pobreza de la Sagrada Familia e impresionar a quienes estuvieron presentes.

Michel Lasne: San Francisco de Asís recibe al niño Jesús de manos de la Virgen María (Rijksmuseum).

La orden de los franciscanos extendió el culto del nacimiento de Jesús por toda la cristiandad, de la misma manera en que hoy todavía suele representarse: el niño Jesús sobre un pesebre de paja, la Virgen y san José a su lado, el buey y la mula junto a ellos y los Reyes Magos adorando al recién nacido, todo evocando la pobreza extrema en la que nació el Salvador. Los artistas medievales encontraron en esta representación una gran fuente de inspiración para sus obras y Giotto introdujo en la pintura del Trecento el tema del nacimiento de Jesús, que ha sido tan representado desde entonces y hasta nuestros días por muchos otros artistas. Los belenes se popularizaron extraordinariamente desde el siglo XIV, destacando sus representaciones en los grabados de Alberto Durero y en las obras pictóricas de Robert Campin -Maestro de Flémalle-, Gentile da Frabiano, Sandro Boticelli, Fra Filippo Lippi y Fra Angelico.

La escritora Emilia Pardo Bazán nos presenta en el capítulo VII de su obra titulada San Francisco de Asís (siglo XIII), una narración sobre el pesebre de Greccio:

"Cuando Honorio III hubo aprobado la segunda regla, Francisco solicitó y obtuvo autorización para celebrar solemnemente en el caro conventillo la próxima Navidad. Con tal ocasión soltó Francisco la rienda a su poética y ardiente fantasía meridional. En una gruta de la montaña formó el establo, y sobre el heno del pesebre colocó la imagen del Salvador recién nacido; a su lado la Madre Virgen contemplándole amorosa, el patriarca José velando a la criatura indefensa, la mula y el buey exhalando tibio aliento para calentar sus desnudas carnes. Por todo el monte sembró luminarias y repartió hachas encendidas a los frailes y al pueblo venido de los lugares comarcanos. Francisco hacía estos preparativos con júbilo infantil, con vivos extremos de gozo; y viendo admirados a los frailes decíales:- "Dejadme, hijos, dejadme, que yo soy el loquillo del niño de Belén, fatuelus pueri Bethlehem.- A media noche, en el monte orlado de festones de luz, se celebró el oficio divino, haciendo de altar el pesebre, cantando Francisco el Evangelio revestido de diácono: era el templo la naturaleza, cúpula los cielos, y muchos de los que con alma creyente asistían a la ceremonia vieron a un hermosísimo infante, vivo y trémulo de frío, que dejando el lecho de paja, iba a abrigarse en brazos de Francisco acariciándole."

Con esta historia tan poco conocida sobre la Sagrada Familia y esta preciosa narración sobre el nacimiento de Jesús según san Francisco de Asís y Emilia Pardo Bazán, quisiera desear a todos los lectores de mi blog una muy Feliz Nochebuena y Navidad.

La nueva National Portrait Gallery

El pasado 23 de junio y tras tres años de trabajos de reforma reabrió sus puertas la National Portrait Gallery de Londres. El proyecto ha sido realizado por el estudio de arquitectura de Jamie Fobert y ha consistido en una completa reorganización de la presentación de sus colecciones, la creación de nuevos espacios públicos y un nuevo centro de aprendizaje, entre muchas otras acciones que han creado un extraordinario espacio expositivo en el que se presenta la historia de Gran Bretaña a través de sus principales personajes. Quien quiera estudiar cualquier aspecto de la historia británica debe conocer la composición de este museo situado junto a la National Gallery, que contiene la mayor colección de retratos del mundo.

Siempre ha sido un placer pasear por sus salas pero desde su reapertura se ha convertido en una experiencia extraordinaria. Con la nueva disposición del museo considero que es en el tercer piso del edificio donde se concentran los retratos más interesantes desde el punto de vista histórico, con obras que abarcan cronológicamente un periodo situado entre 1300 a 1850. En esta planta se sitúan 18 salas con 6 espacios expositivos que llevan por nombre: "Tudors", "Uniting Kingdoms: Creating a Nation", "Civil War", "Politics & Culture", "Global Britain" y "Regency, Romantics & Reform. En ella pueden contemplarse los retratos más antiguos de la colección, desde las épocas de los Tudor hasta la reina Victoria, que han sido realizados por los más relevantes artistas de su tiempo.

Entre todos ellos, quisiera detenerme en los retratos familiares. La mayoría de los retratos de la National Portrait Gallery muestran personajes individuales que formaron parte de la vida pública de Gran Bretaña, pero entre sus colecciones se presentan también las representaciones de algunos grupos familiares que nos muestran las relaciones de sus miembros y sus valores y que enfatizan la continuidad entre sus generaciones. La cuidadosa disposición de los personajes retratados y su entorno tuvo en el momento de su representación un significado especial para quienes observaban estos retratos presentados en sus escenarios originales.

Destacan los impresionantes retratos sobre familias reales realizados en óleo sobre lienzo, como el del rey George V junto con la princesa Mary -condesa de Harewood-, el príncipe Edward -duque de Windsor- y la reina Mary en el palacio de Buckingham, realizado en 1913 por sir John Lavery, así como el de la conversación en la logia real, representando un momento de reunión del rey George VI, la reina Elizabeth -reina madre-. la reina Elizabeth II y la princesa Margaret, realizado por sir James Gunn en 1950.

Sin embargo, personalmente me interesan más los retratos familiares de los miembros de la burguesía y, especialmente los que pertenecían al mundo de las artes y de las letras y en este sentido tiene para mí un especial significado el retrato del empresario y actor teatral David Garrick (1719-1779) y el de su esposa, Eva María Veigel (1724-1822), realizado por sir Joshua Reynolds, en el que este aparece leyendo algunas líneas de un escrito a su esposa, cuando ya era una bailarina retirada. Desde hace varias décadas, cada vez que voy a Londres tengo la fortuna de alojarme en Covent Garden en el Garrick Club, uno de los lugares más exclusivos y emblemáticos de esta ciudad.

Siguiendo esta línea, otros retratos familiares especialmente interesantes son el de la familia Capel, de Cornelius Johnson, c. 1640; el de la familia Novello, de Edward Petre Novello, c. 1830; el de la familia Shudi, de Marcus Tuscher, c. 1742 y más recientemente, el retrato fotográfico de las familias de los artistas William Morris y Edward Burne-Jones, de Frederick Hollyer en 1874 y el retrato inacabado al óleo sobre lienzo de las hermanas Brontë (Anne, Emily y Charlotte), realizado por su hermano adolescente Patrick Branwell Brontë, que fue descubierto en 1914. 

El mercado del arte, la literatura y el entretenimiento se expandió rápidamente en Gran Bretaña desde la segunda mitad del siglo XVIII debido a la creciente prosperidad de la nación,  que permitió a un mayor número de británicos disfrutar del arte y de la cultura popular. Muchas de las personalidades  presentadas en la National Portrait Gallery fueron figuras importantes del mundo del arte, la literatura, el drama, la música y otras formas de actuación artística, que incluían también las artes marciales y sus retratos fueron a menudo realizados para promover estas figuras y su trabajo. Tras la fundación de la Royal Academy of Arts en 1768, las exhibiciones fueron el centro de la agenda social y el retrato se convirtió en una pasión nacional. 

Más información sobre la National Portrait Gallery en este enlace.

Le Paris de la Modernité, 1905-1925

El Petit Palais de París es una joya arquitectónica edificada por Charles Girault entre el río Sena y Los Campos Elíseos. Forma, junto con el Grand Palais y el Puente Alexandre III, un conjunto excepcional que fue creado para celebrar la Exposición Universal de 1900.

Este espacio cultural está presentando una nueva exposición, recientemente inaugurada el pasado 14 de noviembre y titulada: "Le Paris de la Modernité, 1905-1925". La exposición forma parte de una trilogía dedicada a la Ciudad Luz, junto con dos exposiciones ya celebradas que se titularon "Paris romantique" y "Paris 1900, la ville spectacle", en las que se presenta a la capital de Francia como centro mundial de la innovación cultural y artística. Estas tres exposiciones coinciden cronológica y temáticamente con mi próximo libro, que trata de una serie de familias de la alta sociedad que se desarrollaron en Francia y que será publicado en 2024, cuyos detalles presentaré próximamente en este mismo blog.

La exposición actual ha sido organizada por el Petit Palais junto con el Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris y la institución cultural Paris Musées. Ha sido comisariada por Annick Lemoine, -directora general del Petit Palais- junto con el comisariado científico formado por Juliette Singer -jefa del departamento de conservación del Petit Palais- y Marlène van de Casteele -doctora en historia del Arte-.

Esta muestra invita a adentrarse en el París cosmopolita y efervescente de las primeras tres décadas del siglo XX, donde se dieron cita las principales personalidades y artistas que llegaron de todo el mundo y que representaban todas las tendencias poniendo en valor, a través más de 400 obras artísticas y diferentes objetos, la extraordinaria creatividad que hubo en estos años de innovaciones en todas las áreas.

La exposición, que permanecerá hasta el próximo 14 de abril de 2024 presenta la gran ebullición creadora de estos años a través de once secciones asociadas a la moda, el cine, la fotografía, la pintura, la escultura, el dibujo, la danza, la música, la literatura, el diseño, las artes decorativas, la arquitectura y la industria, tratando igualmente el dramático periodo de la Gran Guerra (1914-1918) y adentrándose en el papel que los artistas y las mujeres ejercieron durante este periodo. París era el centro del mundo, todo giraba en torno a la capital de Francia y todo se producía en esta ciudad más rápido y con mayor intensidad que en otros países. Los cambios que sucedían en París influyeron en la sociedad y la cultura del resto del mundo, cambios que se concentraron principalmente en los barrios de Montmartre, Montparnasse y los Campos Elíseos.

Las secciones de la exposición están dedicadas a Montmartre y Montparnasse como viveros de la modernidad; los salones parisinos, que fueron célebres exposiciones artísticas herederas de una tradición académica; el boom de las exposiciones dedicadas a las bicicletas, los automóviles y la aviación; el modista Poiret, apodado "el magnífico" y su reputada maison Martine, así como la apertura en 1913 del Théâtre des Champs-Élysées.

Continúa la exposición con la presentación del descenso de la actividad artística y cultural en los años de la Gran Guerra y su recuperación, dando paso a los "Locos años 20" (Années Folles), caracterizados por una intensa actividad social, artística y cultural; el barrio de Montparnasse como centro creador y concentrador de la vida social con la proliferación de salones, galerías, marchantes de arte, academias libres, cafés y otros establecimientos; la época de paz durante la tercera década del siglo XX que convirtió a París en una fiesta con una nueva forma de vivir la vida a gran velocidad; la compañía de los Ballets suédois (Ballets suecos) y la revista negra del Théâtre des Champs-Élysées y, por último, una sección dedicada a la exposición internacional de artes decorativas e industriales modernas celebrada en 1925 que reunió a 21 naciones, con la asistencia de más de 15 millones de visitantes.

Más información en este enlace.